viernes, 30 de julio de 2010

Toxic Crusader

Toxic Crusaders





Se trata de una secuela de la serie de películas de Troma: Toxic Avenger, todo un festival palomitero de mal gusto, sangre, tripas, referencias sexuales y diversión, pero aquí Toxie en vez montar matanzas ultra-gore... lucha contra la contaminación (!!!). Exacto, detrás de la fachada, se trata de una serie infantil, de consciencia medioambiental más, típica de principios de los años 90, como Las Tortugas Ninja, Swamp Thing o Capitan Planeta.





Ya se había probado de hacer series de animación infantiles basadas en películas para adultos, como la serie de animación de Rambo, pero Toxic Avenger era muuuuucho más controvertida, y como resultado hicieron una serie de animación que no se parece en nada a la película.

Se produjeron 13 episodios de 30 minutos, sin embargo sólo se llegaron a emitir 5 episodios de prueba por la Fox en 1991. Su intención era re-crear el éxito de las Tortugas Ninja, con una fórmula similar, de hecho, su creador, Kevin Eastman, aparece en la cuarta película de Toxic Avenger. Toxic Crusaders fue patrocinada por las mismas empresas de merchandising que se encargaron de lanzar las Tortugas Ninja, y fue esta misma empresa: Playmates Toys, la que re-construyó a Toxie para convertirlo en un héroe limpio, con compañeros mutantes, que popularicen sus propias lineas de juguetes. Sacaron 9 muñecos, vehiculos, y todo tipo de merchandising como disfraces de halloween, novelas, videojuegos, tradding cards... Menudo despilfarro para una serie que se canceló al quinto episodio. La franquicia fue un desastre.

Marvel se encargó de lanzar una serie de comics de la serie de TV, pero fue un fracaso, según los fans de Marvel, el hecho de que cada número estuviese hecho por un guionista diferente entorpecía la trama.

Años más tarde, Troma editó en DVD 2 películas de animación de Toxic Crusaders: Toxic Crusaders: The Movie y Toxic Crusaders: Volume 1. La primera consistía en la recopilación de los 3 primeros episodios, y la segunda consistía en los 4 restantes. Vamos, que engañaron al personal para sacarle el último jugo posible a la franquicia muerta y enterrada.

Hoy en día a través de internet, estamos hartos de ver animaciones basadas en lo bizarro y en la subcultura de la serie B, y es más, el propio youtube sirve de termómetro para ver en que tipo de producciones se puede invertir, antes se la jugaban con este tipo de productos. Las Tortugas Ninja fue un éxito inesperado, y fue algo tan potente que se ha querido repetir su éxito mezclando la fórmula con lo que sea, incluso con el cine más cazurro y/o absurdo.

En su época éstas series no tuvieron buena acogida, pero hoy, son series de CULTO.

Etnografia 10: CONO SUR



VER ARTÍCULO SOBRE ANIMACIÓN EN CHILE, URUGUAY Y ARGENTINA
VER PELÍCULA: BOOGIE EL ACEITOSO

Manuel García Ferré

Antes de la era digital, no llegó a consolidarse una industria de la animación argentina por motivos similares a los de Brasil. La escepción fue Manuel García Ferré, un historietista de orígen español considerado el máximo exponente de la animación argentina, que fundó la única productora de animación con continuidad, y que llevó a la TV y al cine personajes de sus comics como Anteojito y Antifaz



Hijitus



Larguirucho





Petete , Wow! Yo ésto lo veía de Bebé!



y Calculín,  

Max, the 2000-Year-Old Mouse

A principios de los 70, el joven Animador Ralph Bakshi, incómodo ante el panorama de la animación americana de la época, fundó en 1969 junto al productor Steve Krantz su propia productora de animación, Bakshi Productions, dedicada a realizar animaciones alternativas y publicidad. Sus primeros trabajos fueron anuncios de Coca Cola y Max, the 2000-Year-Old Mouse , una serie educativa encargada por la Enciclopedia Británica.



Su intención era hacer la película Heavy Traffic, una fábula urbana sobre los barrios bajos, pero Steve Krantz se negó al considerar el proyecto demasiado arriesgado. Cuando Bakshi conoció los comics underground de Krump se empeñó en hacer una película de El Gato Friz, Krantz esta vez aceptó, al tratarse de una série de comics de éxito.

domingo, 25 de julio de 2010

Etnografia 10: CONO SUR



VER ARTÍCULO SOBRE ANIMACIÓN EN CHILE, URUGUAY Y ARGENTINA
VER PELÍCULA: BOOGIE EL ACEITOSO

Etnografía 10: Cono Sur

Recientemente hemos hecho un repaso a la Animación Centro-Americana y de Sur-America Septentrional. Hoy acabaremos nuestro Tour por América en una región que pese a continuar siendo latinoamérica, presenta una cultura más europea y con un profundo interés por la política. Apurense que cruzaremos la Pampa, hoy trataremos del CONO SUR.



CHILE

Los Chilenos comenzaron a hacer animaciones en los años 20, y al igual que ocurría en Argentina se trataban de películas de denuncia política. El primer cortometraje fue en 1921  La Trasmisión del Mando Presidencial, por Alfredo Serey y en 1929 hicieron el primer híbrido de imagen real: La Calle del Ensueño, de Jorge Délano. Sin embargo no se consolidó una industria de la animación chilena, y ésta se limitó a algunos cortos televisivos como El Humor de Lukas o Condorito

 


No fue hasta el 2002 en que Cineanimadores produjo el primer largometraje de animación chileno, co-producido con España y distribuido por Disney: Ogú y Mampato en Rapa Nui





Ogú y Mampato son unos personajes de cómic bastante populares en los años 70 que resucitaron para ésta película, són un niño y un cavernícola que viajan por el tiempo. Se trataba de un experimento por parte de la industria cinematográfica chilena para tantear el campo de la animación y el caso es que salió bien, la película tuvo éxito en Chile.

En el 2007 Cineanimadores volvieron a la carga con Papelucho y el Marciano, basada en los libros infantiles de Marcela Paz



El caso es que Papelucho y el Marciano no gustó tanto como Ogú y Mampato, principalmente por la mezcla de animación 3D y tradigital que experimentaron que no acabó de convencer al público. En fin, lo importante es que Cineanimadores han encendido una industria.


URUGUAY

Si hay un animador Uruguayo que realmente destaque, éste es Walter Tournier. Se trata de un animador de Stop Motion que en los años 70 andaba relacionado con el llamado "cine militante" y que se dedicó a la crítica social haciendo alegorías del gobierno pre-dictatorial uruguayo y de otras dictaduras latino-americanas, pero sin alejarse de la estética de cuento infantil. Su primera obra en 1973, aún con una técnica muy precaria, fue En la Selva queda mucho por hacer. Más adelante debió exiliarse en el Peru, donde comenzó a desarrollarse como animador con cortos como Nuestro Pequeño paraíso (1982) o Los escondites del sol (1986), ésta segunda trata sobre hijos de los exhiliados de la dictadura uruguaya, y estan basados en historias que los propios niños fueron dibujando, de manera similar a la película Pequeñas Voces. Tras un par de producciones para la televisión, en el 2000 Tournier realizó el corto El Jefe y el Carpintero. 


 


Se trata de una fábula sobre un gobernador loco de una isla del Caribe empeñado en que su pueblo construya una torre para poder tocar la luna. La musica fue de Leonardo Croatto y Carlos Da Silveira Ganó un premio en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en la Habana. Al año siguiente, un canal de televisión británico les encargaron otra película similar: Navidad Caribeña



En éste caso, en la isla del caribe que sufre una terrible sequía, el gobernador loco se empeña en cubrir la isla con nieve artificial para recibir en Navidad a sus sobrinos llegados de Europa, y para ello cuenta sólo con el ingenio del carpintero del pueblo. Ganó el segundo premio Coral en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

Posteriormente se ha dedicado a realizar películas de conciencia social como Los Tatitos



y Tonky y otros Amigos





ARGENTINA
Como ya comentamos en el especial sobre Cut-Out, Argentina es un país pionero en la Animación, Quirino Cristiani inventó la técnica del Cut-Out, y realizó el primer largometraje de animación de la historia: El Apostol. Lamentablemente no se conserva ninguna película de Cut-Out de Cristiani ya que las películas fueron recicladas, pero sí se conserva el cortometraje de Cel Animation de1936 El Mono Relojero



Sin embargo no llegó a consolidarse una industria de la animación argentina por motivos similares a los de Brasil. La escepción fue Manuel García Ferré, un historietista de orígen español considerado el máximo exponente de la animación argentina, que fundó la única productora de animación con continuidad, y que llevó a la TV y al cine personajes de sus comics como Anteojito y Antifaz



Hijitus



Larguirucho





Petete , Wow! Yo ésto lo veía de Bebé!



y Calculín,  



Otro autor de cómic argentino que ha participado en animación: Quino, que en Cuba habia participado en la série Quinoscópio, y también realizó en Argentina una série en 1965 y en 1981 otra série de 5 mediometrajes sobre su personaje más famoso (y sin duda el personaje de cómic argentino más famoso en todo el mundo): Mafalda: El Mundo de Mafalda, Mafalda Va a la Escuela, Los Juegos de Mafalda, Mafalda y la Sopa y Los Sueños de Mafalda 




Y también dispuso de una série de mini-cortos mudos en 1993, realizados en Cuba por Juan Padrón para las televisiones autonómicas españolas. El hecho de hacer mudo a un personaje que brilla por sus comentarios irónicos puede parecer una barbaridad, pero supongo que habría sido peor ver a Mafalda hablando en vasco, catalán y castellano tradicional.



El caso es que la animación argentina, pese a haber bebido de su cultura propia del comic, nunca ha superado la popularidad de sus historietas. La animación argentina, al contrario de lo sucedido en España, han tenido problemas con el financiamiento por parte del gobierno, por lo cual, durante mucho tiempo se han limitado a producciones de bajo coste realizadas por estudios independientes con contenido de humor ácido como Alejo y Valentina, o Mercano el Marciano





Otra productora argentina que apareció en 1997 fue Patagonik Films, con la trilogía híbrida de imagen real: Dibus, basada en una série de TV de éxito.


Dibu: La película (1997)



Dibu 2: La venganza de Nasty (1998)






Dibu 3: La Gran Aventura (2002)



La distribución por Disney les permitió gozar de bastante éxito, y Patagonik se consolidó como la mayor productora de animación de latinoamérica, con otras producciones como Condor Crux (2000), la primera película de animación CGI argentina





Los Pintin al Rescate (2002)



El Guerrero sin nombre (2004), basado muy libremente en El Mercenario del dibujante de comic español Vicente Sagrelles.



O El Arca (2007)





Tampoco se han olvidado de echar mano al folklore argentino con Patoruzito (2004)




y Patoruzito: La Gran Aventura (2006)



ni del Folklore hispano en general, con el Ratón Perez, y su secuela: El Ratón Perez 2



Actualmente Patagonik esta trabajando en Galileo y Mechalot 



Paralelamente los argentinos han continuado con adaptaciones de cómic y con producciones independientes de humor ultra-ácido, el mejor ejemplo sería la película del 2009 Boogie el Aceitoso, por Gustavo Cova.





Cova ya había trabajado en el 2006 en la série de TV para Fox Latinoamérica City Hunters, patrocinada por Axe, con supervisión de producción de Carlos Baeza (el director de las gloriosas temporadas 3,4 y 5 de los Simpsons) y diseños de Milo Manara




Tanto City Hunters como Boogie el Aceitoso han sido éxitos inesperados, y el equipo próximamente estrenará otra película, un drama histórico! Martín Fierro





Y tambien se han animado con las producciones familiares en Animación CGI 3D con Gaturro, aunque sinceramente... me parece un paso atrás por su parte



Argentina es un país pionero e innovador, le ha costado consolidar su industria pero parece que al final lo ha conseguido, una industria dada a la animación CGI, Flash, a los híbridos de imagen real y a la animación Tra-digital, con temáticas variadas, humor ácido y referencias al cómic nacional y al folklore. El mejor ejemplo de lo que debería ser la Animación Latino-Americana.

Chau Pives!

VER PELÍCULA BOOGIE EL ACEITOSO

miércoles, 21 de julio de 2010

Terry Gilliam

Enviado por Alvaro:

Me encanta este tipo de animación, espero que se sigan haciendo películas y series con ese estilo visual.
Las animaciones por recorte de Monthy Python:





Estado Delta

Publicado en Muy Animado:Estado Delta



Sé que muchos tienen una impresión muy negativa de la animación canadiense debido a nefastas series como “La Isla del Drama” e “Isla de Mutantes”, pero una generalización semejante es, por demás, injusta, puesto que existen notables series, como “Broken Saints”, y la serie de la que voy a hablarles en esta entrada.


Hablo de la excelente serie de misterio y ciencia ficción, llamada “Estado Delta”, una coproducción canadiense- francesa, la misma que fue exhibida por un tiempo en Cartoon Network, en un horario nocturno, aunque, como suele ocurrir con muchas series animadas de este tipo (Que no son anime) pasó sin pena ni gloria, a pesar de que contaba con suficientes méritos como para ganarse el aprecio de todos los espectadores.



El primer aspecto que destaca de esta producción es su animación, la cual, así no sea del agrado de todos, marca un estilo y diseño distintos a cualquier cosa que haya visto antes, combinando el “realismo” de la animación por rotoscopia con la estilización de las caricaturas (Qué narices más raras, por cierto)


El aspecto argumental también está muy bien trabajado, combinando el misterio con los más impredecibles elementos de ciencia ficción, lo cual hace de esta serie algo muy semejante a las historias de Isaac Asimov y Arthur C. Clarke.



La trama seguía a un grupo de jóvenes amnésicos, quienes tenían la difícil tarea de recuperar sus recuerdos, al tiempo en el que salvan al mundo de una raza alienígena, llamada “Rifters” que busca controlar la mente humana. Muchos episodios de esta serie poseían una naturaleza extraña y un tanto desconcertante, aunque ese era uno de sus principales atractivos.
Aunque no tenía nada de violencia ni de situaciones adultas, la serie parecía enfocada a un público juvenil más que a uno infantil. De hecho, creo que lo extraño de su narrativa podría confundir a los espectadores más pequeños.


Aunque esta serie obtuvo el Premio Especial por un programa de televisión en el Annecy International Animated Film Festival and the Frames 2004 por mejor producción asiática, la serie pasó casi desapercibida en Latinoamérica. Aún así, a mi me pareció un trabajo más que satisfactorio, y se lo recomendaría a todos los espectadores, en especial los que gusten de ver animaciones más maduras y complejas.




Ver post en Muy Animado

Bob Esponja versión Death Note

Enviado por Alvaro:

Oh Dios...
Bob Esponja Death Note:

martes, 20 de julio de 2010

TÉCNICAS X: Cut - Out


VER ARTÍCULO SOBRE CUT-OUT
VER PELÍCULA TALE OF TALES

Cows & Cows & Cows

Enviado por Ruben:

Animación de Cyriak... el sublime encanto de las vacas XD

TÉCNICAS X: Cut - Out


VER ARTÍCULO SOBRE CUT-OUT
VER PELÍCULA TALE OF TALES

Austrian Death Machine - Get To The Choppa

Enviado por Lluis:

Aki te dejo un 2 de videoklips de sta banda de freaks deathmetaleros k te hable:
1 disco



x tema de animacion te interesara

Austrian Death Machine - Get To The Choppa entra en el número 40 del TOP 40
Sale Rob Zombie - American Witch

Björk - Earth Intruders

ANIMACIÓN DE SILUETA EN CGI 3D

Michel Ocelot tambien se ha apuntado a la animación CGI, aunque almenos ha tenido la delicadeza de no hacerlo para simplificar su trabajo, y realiza animaciones de siluetas en CGI 3D como una escena de la película del 2006 Azur et Asmar, o el videoclip del 2007 Earth Intruders, de Björk



A pesar de ello, Michel Ocellot actualmente trabaja en la série Bergères et Dragons, donde intenta reproducir con animación CGI 3D y 2D su propia técnica tradicional.

Björk - Earth Intruders sube al número 18 del TOP 40
Sale Harry Partridge - Nicolas Cage wants a Cake

South Park

Hoy en día, la animación Cut-Out se realiza escaneando los dibujos y animándolos vectorialmente, la animación que dio el ejemplo más claro de que la Animación Flash es una evolución del Cut - Out fue la série South Park, los primeros episodios fueron realizados en cut-out, luego pasaron a usar Corel Draw y Maya. Otras séries que intentaron imitar la estética del Cut Out con animación Flash fueron Charlie & Lola

La polémica de Drawn Together por la inclusión de temática tabú estaba servida, e hizo que muchos críticos comparasen esta serie con South Park, serie previa que tambien exploraba estos límites del buen gusto, sin embargo el TV-MA (advertencia de contenidos adultos) South Park no lo exhibió hasta el 2004, mientras que Drawn Together lo exhibió desde el primer capítulo.

National Film Board


QUEBEC
Los Canadienses de Quebec no sólo fueron los primeros en hacer animaciones, sinó que fueron pioneros a nivel mundial en la Animación Tradicional. En 1912, Raoul Barre inventó el sistema de pivotes, la técnica del Slash & Tears, y en 1913 ideó los estudios de animación organizados como cadena de montaje, un tipo de organización que posteriormente resultó esencial para realizar animaciones con fines comerciales.

Sin embargo, a causa de la fuerte competencia americana, la animación canadiense veía muy dificil su comercialización, no fue hasta 1939 en que se organizó en Montreal la NFB (National Film Board), una productora de cine, subvencionada por el gobierno Canadiense con la intención de promocionar el cine local. La animación al principio fue considerado un arte menor y no se promocionó suficiente, hasta el 1941 en que consiguieron una co-producción con Disney para realizar los famosos Cortos de Propaganda Militarista Aliada. Después de este encargo, NFB continuó produciendo animaciones.

En Quebec habían llegado a la siguiente conclusión: No se puede competir contra el mercado de la Cel Animation Americana, así que... Por qué hacer Cel Animation? la NFB se convirtió en un laboratorio en el que investigaban nuevas técnicas y sistemas de Animación. Entre ellos destacó el artista experimental de origen escocés: Norman McLaren, que inventó (entre otras técnicas) la técnica de la Animación sobre Película, que consiste en dibujar fotograma a fotograma directamente sobre la película, consiguiendo una definición muy superior al material fotografiado. La banda sonora electrónica también la hacía él mismo, marcando con puntos, rallas y triángulos la banda magnética de la película

Dots
, 1940 (Aviso que es experimental)








George Dunning era un ilustrador canadiense graduado en la facultad de arte de Ontario. En 1943 entró en la National Film Broadcast de Canadá, junto con Norman McLaren y produjeron la serie de cortometrajes Chants populaires series. Una serie de cortometrajes producidos entre 1944 y 1947 basados en folklore norte-americano donde practicaban el cut-out con figuras pintadas y metal.



En Quebec no pararon de aparecer animadores experimentales como Jacques Drouin, que inventó la animación con pantalla de agujas, Amanda Forbis, Chris Hinton, con Nibbles



Wendy Tilby, con Stings





Cordell Barker, con Strange Invaders



o   Frédéric Back, que con sus cortometrajes para la televisión pública francófona CBC, ganó 2 Oscars: uno por Crac, en 1981


Y otro por The Man Who Planted Trees, en 1987.




Watch The Man Who Planted Trees in Animation  |  View More Free Videos Online at Veoh.com

lunes, 19 de julio de 2010

TÉCNICAS XI: Animación de Siluetas

Anteriormente habíamos hablado de la técnica del Cut Out, una técnica antigua, artística, experimental y barata con subtécnicas tales como el Chiyogami y el Lumage. Hoy trataremos de otra subtécnica de Cut Out, que en realidad es una sub-técnica anterior al Cut Out de Quirino Cristiani y la que ha resultado más prestigiosa:

LA ANIMACIÓN DE SILUETAS

Éste tipo de animación apareció inspirado por los teatros de sombras europeos y la tradición del dibujo de siluetas en varios lugares a la vez a principios del siglo XX, es un tipo de Cut Out en que las figuras son una simple silueta o una sombra negra. Los primeros cortos que se conocen son del británico Charles Armstrong: el corto de 1909 Sporting Mice y The Clown and His Donkey (1910). Se trataba de unas animaciones aún muy precarias, de siluetas blancas con fondo negro, no fue hasta 1919 en que la alemana Lotte Reiniger produjo El Ornamento del Corazón Enamorado, ya con el tipo de técnica elaborada que conocemos hoy dia en las Animaciones de Silueta. En los años 20, con el Boom de la Cel-Animation parecía que las técnicas de Cut-Out no podían dar más de sí, hasta que en 1926 Reininger produjo Las Aventuras del Príncipe Achmed, el primer largometraje de animación alemán, y el largometraje de animación más antiguo conservado, considerado hoy una obra de culto.



En realidad, la Animación de Silueta nunca volvió a tener un éxito comparable al de la Cel Animation o el Cut Out, pero Reininger consinguió salvar la técnica del olvido, e influenció a muchos autores. En Japón causó tal sensación que los autores locales como  Toshio Suzuki, Hidehiko Okuda, Tomu Uchida y Hakuzan Kimura adaptaron la técnica a su tradición del Chiyogami. Y en la NFB Canadiense, algunos autores como George Dunning la adaptaron a sus creaciones artísticas.

Actualmente, al ser una técnica relativamente sencilla, aún hay gente que trabaja en Animación de Siluetas tradicional, como Edward S. de Leon, que realiza homenajes a Lotte Reininger



VARIACIONES DE PAPEL

La animación con siluetas tradicional no varió apenas de técnica, si bien se han probado muchas estéticas diferentes, como los cortos con distintos tipos de papel de Bruno J. Böttge en los años 70



HÍBRIDO CON LUMAGE

Reza Ben Gajra utiliza dibujos hechos por niños pequeños, y a menudo combina la animación de siluetas con otras técnicas como el Lumage



HÍBRIDOS MULTITÉCNICAS


Michel Ocelot actualmente es el maestro de la animación de silueta, en 1989 creó una técnica híbrida de animación de silueta, cel animation, imagen real y clay animation para la série de televisión Ciné si



También consiguió, por primera vez hacer que los personajes hablasen moviendo los labios (antes eran mudos, o hablaban a través de un narrador)

Ocelot también realizó en el 2000 un largometraje basado en Ciné Si: Princes et Princesses





 

IMITACIÓN CON OTRAS TÉCNICAS

También se ha intentado imitar el resultado de la Animación de Siluetas con otras técnicas en escenas concretas de séries como  la série de cut-out de South Park o los animes Utena y Sayonara Zetsubō-Sensei
 


ANIMACIÓN DE SILUETA EN FLASH


El actual boom de la animación Flash, también ha propiciado la aparición de una imitación de la animación de siluetas en ésta técnica, con estilos dispares. En la série Flash Canadiense Mona the Vampire lo realizan como recurso narrativo, Jossie Malis lo usó en la série de cortos Bendito Machine



ANIMACIÓN DE SILUETA EN CGI 3D

Michel Ocelot tambien se ha apuntado a la animación CGI, aunque almenos ha tenido la delicadeza de no hacerlo para simplificar su trabajo, y realiza animaciones de siluetas en CGI 3D como algunas escenas de la película del 2006 Azur et Asmar, o el videoclip del 2007 Earth Intruders, de Björk



A pesar de ello, Michel Ocellot actualmente trabaja en la série Bergères et Dragons, donde intenta reproducir con animación CGI 3D y 2D su propia técnica tradicional.

El nominado a un oscar Anthony Lucas, optó por utilizar esta técnica mezclando fondos 3D con siluetas en 2D para el corto del 2005 The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello




WAYANG KULIT

Aunque la animación de siluetas originariamente está inspirada en el teatro de sombras europeo, también ofrece la posibilidad de imitar la estética del teatro de sombras típico del sur-este asiático, en animación CGI se ha imitado la estética en cortos como  Our Man in Nirvana (2006) de Jan Koester



o el opening de El Libro de la Selva 2



La animación de siluetas es una técnica de cut-out prestigiosa y antigua, pero con menos tradición de lo que nos pensaríamos. Habiendo llegado a su perfección ya en los años 20, está abierta a todo tipo de estéticas y experimentaciones. No ha podido competir con otras técnicas más comerciales y ha acabado viéndose dedicada casi completamente a las creaciones artísticas, ya que es una técnica sencilla y barata que goza de un gran impacto visual.


VER PELÍCULA PRINCES ET PRINCESSES

sábado, 17 de julio de 2010

TÉCNICAS X: Cut - Out


VER ARTÍCULO SOBRE CUT-OUT
VER PELÍCULA TALE OF TALES

TÉCNICAS X: Cut - Out

Antes de los procedimientos digitales, las productoras más modestas debieron recurrir a las Técnicas de Animación Limitada para resultar competitivas, aunque curiosamente el concepto de la Animación Limitada lo inventó en los años 40 UPA con finalidades artísticas (recordemos que era la época del Cubismo, el Expresionismo, y el Art Decó).

Existe otra gran técnica de "Animación Tradicional Barata", pero con una estética tan propia que no ha resultado apropiada como sucedáneo de la Cel Animation, y se ha usado más con finalidades artísticas. Me refiero a la técnica del...

CUT - OUT

Esta técnica consiste en crear personajes con papel, cartulina, tela, fotografías o cualquier otro material plano recortado y situado sobre un fondo sobre el que se moveran fotograma a fotograma. Resulta relativamente sencillo, por lo cual, fue la técnica que se usó en los primeros largometrajes de animación de la historia, las películas argentinas de Quirino Cristiani, comenzando por El Apóstol, de 1917. Las  películas en Cut - Out de Cristiani se perdieron hace muchos años, pero he encontrado una entrevista donde el propio Cristiani realiza una pequeña animación.






Los últimos maestros de Cut-Out que quedan en activo son los rusos, allí ésta técnica es toda una gran tradición, con autores como Yuriy Norshteyn.



CHIYOGAMI

Existe un tipo de marionetas típicas japonesas llamadas Chiyogami, son muñecos de papel de colores, que se aprovecharon para realizar algunas de las primeras animaciones japonesas como Ladrones de Bagdad, de 1926 de Noburo Ofuji, 
el animador de El Sendero del Tengu,



CUT - OUT CON ILUSTRACIÓN

Al contrario de lo que sucede con la Cel Animation,  el Cut - Out permite animar material que no ha sido concebido para realizar animaciones, así fue como Harry Everett Smith realizó en 1962 la película Heaven and Earth Magic, con ilustraciones de catálogos del siglo XIX.




CUT - OUT HÍBRIDO DE IMAGEN REAL

El Animador Checoslovaco Karel Zeman, en películas como El Barón de Munchausen, mezclaba personajes de imagen real con objetos y fondos en animación Cut-Out



LUMAGE

Esta técnica la desarrolló John Korty en 1983 para la producción de George Lucas Twice Upon a Time, consiste en usar piezas prefabricadas de plástico que se mueven sobre una mesa de luz.




CUT - OUT DIGITAL

Hoy en día, la animación Cut-Out se realiza escaneando los dibujos y animándolos vectorialmente, la animación que dio el ejemplo más claro de que la Animación Flash es una evolución del Cut - Out fue la série South Park, los primeros episodios fueron realizados en cut-out, luego pasaron a usar Corel Draw y Maya. Otras séries que intentaron imitar la estética del Cut Out con animación Flash fueron Charlie & Lola



y Angela Anaconda



Por cierto... mucha gente considera que Angela Anaconda es espeluznante, una espécie de collage realizado por un psicópata con fotos de cadáveres... En realidad la niña a quien fotografiaron para hacer al personaje de Angela murió, y prefiero pensar que la fotografiaron antes de tal suceso.

Aún me queda hablar de un tipo de Cut-Out antiguo y que ha dado resultados muy interesantes, la ANIMACIÓN DE SILUETAS



Pero ya hablaré de ésta sub-técnica en otra ocasión.

El cut-out es una de las técnicas de animación más sencillas y baratas, pero también es la que permite usar más detalle en los personajes a animar y ha servido como laboratorio para todo tipo de estéticas. Ahora que su evolución natural, la Animación Flash, está en pleno auge, es la hora de que "resuciten" todos esos experimentos, en vez de intentar imitar inutilmente la cel animation o de estancarse en el mal gusto.

VER PELÍCULA TALE OF TALES de Yuriy Norshteyn.

I Can't Believe It's Not Beatles: Rock Band

Enviado por Lluis:

jajajajajaj:

Harry Partridge - Johnny Depp in Burtonland

Enviado por Lluis:

+ real imposible(juas,juas!!)

Nicolas Cage wants a Cake - Harry Partridge

Enviado por Lluis

....THIS CAKE!!!!(k bien k actua joder...)




Nicolas Cage wants a Cake - Harry Partridge entra en el nº40 del Top 40.
Sale Blur - Coffee & TV

Bob Esponja versión Yonki

Enviado por Lluis:

Si la serie fuera asi,si k me haria gracia:



VER ESPECIAL SOBRE BOB ESPONJA

martes, 13 de julio de 2010

Walt Disney

En los años 20, la industria de la animación comenzaba a monopolizarse en Hollywood, Walt Disney abandonó su agencia de animación publicitaria de Kansas City para instalar aquí sus nuevo estudios. Tras perder los derechos del Conejo Oswald, inventó a un personaje que fuese la nueva insignia de la compañía, nada más ni nada menos que Mickey Mouse, El tercer cortometraje del cual, en 1928, fue el corto sonoro Steamboat Willie, toda una apuesta de riesgo que sin embargo funcionó tan bien que Walt Disney se convirtió casi inmediatamente en uno de los grandes de Hollywood, y marcó el inicio de la llamada Edad de Oro de la Animación Americana.








Los años 30 era una época en que Disney fue el rey, con la única competencia de los Fleischer Studios. Revolucionó la industria con la série de cortometrajes Silly Simphonies, en que las bandas sonoras eran variaciones musicales de clásicos populares.

En los años 30, Looney Tunes y Merry Melodies comenzaban a ganar popularidad, sin embargo aún distaban mucho de poder medirse con Disney o los Fleischer Studios. En 1933, tras disputas económicas, Ising-Harman abandonaron Warner y fueron fueron fichados por MGM, para producir los cortos de Happy Harmonies, en technicolor, a imitación de las Silly Symphonies de Disney


Sin embargo en 1937 Disney produjo Blancanieves y los 7 Enanitos, dejando claro quien dominaba las técnicas de la animación mejor que nadie. Se trató de otra apuesta de riesgo, Disney pensó que con cortometrajes no llegarian a hacer mucho más dinero, así que puso al estudio a trabajar en esta película durante 2 años, y estuvo a punto de arruinar el estudio, pero al final fue todo un éxito mundial.


Después del éxito de Blancanieves, en 1940 Disney quiso arriesgarse con 3 largometrajes más: Pinocho, Fantasía y Dumbo





Pinocho fue tan caro que no consiguieron rentabilizarlo, Fantasía fue demasiado pretencioso, ya que usaron un presupuesto desproporcionado para una pieza artística que nadie entendió en su momento. Dumbo al ser una obra de pesupuesto medio funcionó bien, pero Fantasía ya había dejado a Disney herido de muerte, para recuperar dinero debieron participar en cortos de propaganda militarista y reducir tanto el salario de los animadores que acabaron machándose a otros estudios como MGM, Paramount, o Warner. Los animadores Frank Tashlin y John Hubley se fueron a Columbia Screen Gems, donde dirigieron el estudio y le hicieron ganar más popularidad, hasta que despidieron a John Hubley para contratar a Dave Fleischer. 

En los años 60, tras la popularización de la televisión, la única gran compañía de la Edad de Oro de la Animación Americana que quedaba era Disney, como sobrevivió Disney a esta segunda crisis de su carrera? convirtiendose en todo un clásico y con innovación, el híbrido de imagen real de 1964 Mary Poppins ganó cinco Oscars y reportó mucho dinero.





Así como el otro gran éxito de los 60 El Libro de la Selva 



Además, con el programa de televisión Walt Disney's Wonderful World of Color que se emitió en NBC desde 1964 hasta 1983, consiguieron mantener populares sus personajes clásicos.



En 1966 Disney murió de cáncer de pulmón, la compañía siguió adelante con películas como los Rescatadores, y Robin Hood



Cortos como los de Winnie the Pooh



E híbidos de imagen real como La Bruja Novata





La compañía aguantó bien, hasta 1979 cuando el animador Don Bluth abandonó Disney para crear su propio estudio junto con los 11 animadores animadores de su equipo. Produjeron la película El Secreto de NIHM y el corto Banjo the Woodpile Cat


A pesar del éxito de Disney The Fox and the Hound el futuro de la compañía en los años 80 quedó incierto



Por cierto, todas las producciones de animación eran para niños? En realidad muchas de las animaciones de la Edad de Oro, como Betty Boop, los cortos de Tex Avery para MGM o (fuera de la Edad de Oro) los Picapiedra eran animaciones para todos los públicos pero pensadas para el público adulto, ni siquiera Disney (por mucho que se empeñen los conspiranoicos) tiene la culpa de este tópico, sólo hay que ver Fantasía o Sleepy Hollow. El abominable tópico "Dibujos Animados = Infantil" en realidad fue una excusa que se inventaron las cadenas de televisión para justificar una reducción de presupuesto asesina a las producciones de animación.

Repasemos la situación en los años 80:




Disney había perdido a Don Blutch, su animador estrella, el terrible merchandising animado se había apoderado de las TV's, Hannah Barbera y Marvel Productions quebraron, los grandes maestros de la animación de la Edad de Oro empezaban a... morirse de viejos, y para postres, el Anime Japonés estaba en su máximo esplendor. Debió ocurrir algún milagro porque sinó ahora viviríamos en un mundo alternativo en el que la Pantera Rosa conbatiría contra los Pokemons, Betty Boop sería una colegiala que se transformaría en super-heroina sexy para luchar contra el mal, y Disneylandia sería un parque temático dedicado a Songoku y Doraemon.

En realidad ocurrieron 3 milagros Dickensianos: la Animación Americana fue salvada por un fantasma del pasado, un fantasma del presente y un fantasma del futuro.

El fantasma del pasado fue rojo y blanco:






Quién Engañó a Roger Rabbit.

Cómo no, fue un milagro obrado por Disney y por el gran mago del cine de los 80, Steven Spielberg. Atentos al concepto: Se trata de una película de género negro (años 40, corrupción, tiros, intriga) pero protagonizada por los personajes de Animación de la época (están en plena Edad de Oro, pero como hemos visto antes también sufrieron corrupciones, intrigas... y puede que hasta tiros). Esta trama también comportó que por primera (y única) vez en la história, que personajes de Disney, Warner, Fleischer, Paramount y MGM compartieran papel en una película, sólo Popeye se quedó fuera por problemas de derechos de autor. No sólo fue una obra maestra de los híbridos de acción real ganadora de 4 Oscars, fue todo un homenaje a la Edad de Oro que hizo resucitar la industria, la gente se volvió a interesar por los animadores veteranos  Chuck Jones y Friz FrelengWarner re-abrió por tercera vez sus puertas, fue el propio Steven Spielberg quien se encargó de co-producir con Warner un homenaje a los estudios de Termite Terrace con el equipo de la desaparecida Hannah Barbera: Los Tinny Toons


Mientras tanto, Disney, después de realizar Oliver & Company 



 volvió a sus clásicos con La Sirenita, que con su banda sonora compuesta por artistas de Broadway y siendo el primer clásico Disney en usar tecnología tra-digital, consiguió 2 Oscars y todo un éxito de público y crítica. Fue el pistoletazo de salida para toda una nueva generación de clásicos Disney de los 90.


El fantasma del futuro fue... Digital






TOY STORY

Años después de Tron, la primera película con escenas en Animación CGI, los efectos especiales de películas como Jurasic Park o Terminator II desplazaron los efectos especiales tradicionales.

Sólo era cuestión de que alguna productora se adelantase a su tiempo para que apareciese una película completamente en Animación CGI, y como no, fue Disney, después de realizar Los Rescatadores en Cangurolandia, la primera película completamente en animación tradigital, con la productora subcontratada encargada de los efectos especiales de La Sirenita, Pixar, lanzó Toy Story. Esta película tuvo un éxito tan enorme que pronto Pixar superó la popularidad de Disney, y tanto Disney como todas las demás productoras de animación se lanzaron a producir películas en animación CGI para emular el éxito de Pixar, a pesar de ello ni Disney ni nadie ha conseguido superar la calidad de Pixar, y únicamente las dos primeras entregas de Shrek consiguieron igualar su éxito.

Sin embargo, Toy Story también tuvo una consecuencia negativa: virtualmente ASESINÓ a la Animación Tradicional. Después del fracaso de la película El Planeta del Tesoro, Disney anunció que dejaría de producir películas en Animación Tradicional.



En el 2002 produjo la última película 2D: Zafarrancho en el Rancho, un nuevo fracaso de taquilla con críticas irregulares.



Después, se dedicaron a lanzar patéticas películas de Animación CGI como la película Polar Express, del (muy venido a menos) director de Quien Engañó a Roger Rabbit: Robert Zemeckis.





Finalmente Disney se echó atrás en su aventura digital, produciendo Tiana y el Sapo.

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El Renacimiento de la Animación Americana
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El Fin del Triumbirato Televisivo