sábado, 30 de octubre de 2010

Los Hermanos Fleischer


VER ESPECIAL DE LOS HERMANOS FLEISCHER
VER PELICULA: MR. BUG GOES TO THE TOWN

ESPECIAL OSCARS 1944



VER ESPECIAL OSCARS 1944

Los Hermanos Fleischer

PREMIO GERTIE 2011 A LA MEJOR PRODUCTORA

PREMIO GERTIE 2011 A LA INNOVACIÓN TÉCNICA

Nos encontramos en 1919, Paris, Londres, Milan y Viena son prácticamente una ruina tras la Gran Guerra, así que la ciudad del mundo donde se vive más intensamente el ocio es definitivamente Nueva York. Broadway está rebosante de teatros, que desafían todo lo antes visto, y el tipo de teatro que estaba más en auge era el teatro-cinematógrafo. Entremos en uno de esos teatros, comenzaba a crearse un star-sistem con figuras como Charles Chaplin, Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino... pero la película es lo de menos, aquí se entra a ver cine, sin más, tomamos una bolsa de palomitas, se apagan las luces, el pianista comienza a tocar acordes de una melodía popular que siempre nos suena a nuevo y... comienza el espectáculo. Antes de los noticiarios suelen poner un corto de dibujos, sólo existen 2 productoras de animación: el estudio canadiense Barré Studio, inventores de la animación comercial, y los Bray Studios, el corto que nos han puesto es concretamente de estos segundos estudios... Aparece un personaje de imagen real pintando un pallaso, una mosca real se acerca al dibujo y... el pallaso cobra vida y empieza a asustar a la mosca, el pallaso se mueve con tanta naturalidad que no llegamos a entender si se trata de un dibujo animado o de una persona de carne y hueso, elimina las barreras entre la fantasía y la realidad creando un mundo completamente nuevo. Si tenemos en cuenta que los Estudios Bray apenas habían inventado la Cel Animation 4 años antes, y que Walt Disney era el empleado de una fábrica de Chicago, sólo había una palabra para explicar éste corto en cuestión: Magia




El dibujante en realidad era el caricaturista, y animador Max Fleischer. El payaso, que más adelante sería bautizado como Koko, era su hermano, el profesional autodidacta del mundo del cine, Dave Fleischer. Ambos habían entrado a trabajar en los Bray Studios gracias a que Max inventó 2 técnicas revolucionarias: La Rotoscopia y los Híbridos de Imagen Real, y lo más interesante del caso... la Magia de los Fleischer no hacía más que empezar.

Los Estudios Fleischer abrieron en 1921 (entonces se llamaban Out of the Inkwell Films) y producían cortos de animación del pallaso Koko y el perro Fitz. Max deseaba poder ofrecer un espectáculo completo, y para ello necesitaba música sincronizada. Qué hizo? en 1924 inventaron un sistema para la série de cortos Song Car-Tunes, donde dotaban el corto de canciones haciendo cantar al público por medio de un karaoke. Ingenioso aunque insuficiente, verdad? En 1926 adaptaron los Song Car-Tunes al sistema Phonofilm y produjeron My Old Kentuky Home, el primer corto de animación sonoro, sin embargo Phonofilm quebró al poco de su estreno, y Car-Tunes debió cancelarse. Por ello equivocadamente se cree que el primer corto sonoro fue Steamboat Mickey en 1928. Éste fue el principio de la Edad de Oro de la Animación Americana... y el principio de una competencia dura aunque sana entre Fleischer y Disney.

Los hermanos Fleischer re-tomaron la idea de los cortos musicales en 1928 con la série Screen Songs, donde a menudo hacían musicales de jazz mezclando imagen real con animación y rotoscopia.



Y en 1929 pasaron a hacer la série de Out of the Inkwell sonora, llamándola Talkartoon. El primer corto fue Noah's Lark



En esta série, en 1930 renombraron al perro Fitz como Bimbo, y le añadieron como novia a una caniche... que se volvió rápidamente uno de los personajes más populares de los Fleischer Studios



Betty Boop! Sí! Originariamente era... esto... sí, una perra. La volvieron humana en 1931 (aunque mantuvo su relación sentimental con el perro Bimbo), en 1932 pasó a ser protagonista con el corto Minnie the Moocher 




Y con el corto Stopping the Show, la série pasó a llamarse definitivamente Betty Boop Cartoons.



En este corto Betty Boop se auto-proclama "La Reina de la Pantalla Animada". Los hermanos Fleischer, con su erotismo, sus técnicas innovadoras, su lenguaje cinematográfico de calidad y su humor surrealista basado en el sarcasmo y la psicología adulta, se habían consolidado como uno de los 2 grandes estudios de animación de la época, justo cuando Disney, con su fórmula basada en fantasía para el público infantil, no paraba de ganar popularidad. Para mantener esta competividad, los estudios fleischer debieron firmar un contrato en exclusiva con Paramount, lo cual dió más de una dificultad, por ejemplo... Paramount había renunciado al uso de Technicolor en 3 bandas por temas económicos, con lo que Disney en 1932 consiguió la exclusiva durante 4 años. Los Estudios Fleischer consiguieron hacer cortos en color 2 años después, pero en sistemas inferiores.

En los años 30, tras unas nuevas leyes sobre "decencia", Betty Boop debió bajar su tono erótico y de humor negro, por lo cual nunca llegó a superar la popularidad de Mickey Mouse, para ello los hermanos Fleischer en 1933 compraron los derechos de un popular pesonaje de cómic, para incluirlo en el show de Betty Boop




Popeye el Marino! El personaje más famoso de los hermanos Fleischer, fue un éxito sin precedentes y se produciria hasta 1957.

En 1934, a petición de Paramount, dejaron de lado su famosa estética underground-jazzística para centrarse en producciones para todos los públicos, y produjeron la série musical en color: Color Classics, a imitación de las Silly Simphonies de Disney.




Para esta série, Max Fleischer inventó otra técnica llamada Proceso Estereóptico, o Proceso Tabletop, consistía en construir una maqueta circular para los fondos, y colocar los cels entre ella y la cámara. Durante los trávelings y escenas dinámicas, se rota la maqueta una vez por fotograma, dando sensación de tridimensionalidad con perspectiva al fondo. Los estudios Fleischer también querían trabajar en formato de largometraje, pero los directivos de Paramount se negaban, debieron contentarse con producir mediometrajes como la trilogía: Popeye el Marino conoce a Simbad el Marino (1936), Popeye el Marino conoce a los 40 ladrones de Ali Babá (1937), y Popeye el Marino es Aladino (1939).






Paramount no autorizó un largometraje de los Hermanos Fleischer hasta comprobar el éxito de Blancanieves y los 7 Enanitos. Les financiaron un nuevo estudio más grande en Miami, con lo que los Hermanos Fleischer comenzaron a trabajar en su primer largometraje. Sin embargo... Dave Fleischer tuvo un asunto adúltero con su secretaria de los estudios de Miami, con lo que la relación entre hermanos se tornó complicada. En 1939 estrenaron la película: Los Viajes de Gulliver




La película funcionó bien, aunque no rentavilizó los gastos de apertura de un nuevo estudio ni de la formación de 200 animadores, por ello Paramount los presionó para que consiguieran superar a Disney costase lo que costase, en un momento en que la propia Disney se encontraba al borde de la quiebra. En 1941 les encargaron hacer la versión en animación de Superman, sin duda la mejor obra de los Hermanos Fleischer, que con un presupuesto 3 veces superior a un corto convencional de Popeye, se la considera a menudo la obra cumbre de la animación de la Edad de Oro.




En aquella época los hermanos Fleischer trabajaban a un ritmo desenfrenado, dando el máximo posible, continuaron con los cortos de popeye, y también produjeron el mediometraje Raggedy Ann and Andy





Los cortos Stone Age


Fleischer Granite Hotel
Cargado por cartoonclasico. - Ver más videos de comedia.

Y los cortos spin-off de Gulliver: Gabby



Finalmente en 1942 consiguieron estrenar su segunda película antes de que se estrenase Bambi: Mr. Bug goes to Town




Esta película fue la tumba de los Estudios Fleischer: Al estar cerrado el mercado europeo por la Segunda Guerra Mundial, no consiguió rentabilizarse, los Hermanos Fleischer habían ido aumentando sus discusiones hasta que un día, al poco de la finalización de Mr. Bug, Dave se marchó a los estudios Columbia Screen Gems.



Paramount aprovechó la situación para hacer uso de los abogados: Como Dave Fleischer había incumplido su parte del contrato y el estudio les debía una fortuna, les expropiaron el estudio, despidieron a Max Fleischer, re-nombraron el estudio como Famous Studios, cancelaron la série de Superman al considerarla demasiado cara, eliminaron los nombres de los hermanos de los títulos de créditos y colocaron al yerno de Max Fleischer, Seymour Kneitel, como animador jefe para coaccionarles en caso de que quisieran emprender medidas legales. Popeye era un personaje que dió muy buenos resultados durante la Segunda Guerra Mundial, pero después fue perdiendo popularidad, en cuanto Disney, una vez solventada su crisis, al fin se vió libre de toda competencia y se consolidaron como los reyes de la animación. Max y Dave Fleischer no volvieron a dirigirse la palabra nunca más.

Max se fue a la Jam Handy Organization, una productora de publicidad y películas de empresa, hizo cortos como Rudolph the Red Nosed Reindeer (1948)



A finales de los 40, Dave dejó Columbia Screengems y formó parte de Universal, donde trabajó como técnico de efectos especiales en películas como La Mula Francis (1950),



Los pájaros (1963),



Éste no es el trailer oficial de "Los Pájaros", una curiosidad sobre las películas de Hitchcock es que él mismo hacía los trailers, que consistían en cortos cómicos de 5 minutos, protagonizados por él mismo, donde nunca llegaban a mostrar nada sobre la película.

y Thoroughly Modern Millie (1967).



Max volvió a los Bray Studios, como jefe de producción, en 1958 revivieron la série Out of the Inkwell con 100 cortos más que se emitieron por televisión entre 1960 y 1961.

En lo que respecta al hijo de Max: Richard Fleischer, que ya había trabajado como director de séries como Popeye, Superman, y Betty Boop, acabó convirtiéndose en un gran director de cine fantástico con películas como El Viaje Alucinante, 20.000 Leguas de Viaje Submarino, Los Vikingos, Tora! Tora! Tora!, El Estrangulador de Boston o Conan el Destructor entre muchas otras.




Max murió en 1972, Dave en 1979, y Richard en el 2006.

En vida, Richard se dedicó a honrar la carrera de su padre y su tío, consiguiendo que se les reconocieran sus méritos. Los tres Fleischers eran génios, pero si nos referimos a GENIO, no en el sentido devaluado actual, sinó en el sentido clásico de la palabra... el GENIO de la familia era Max. No sólo fue un gran ilustrador, creó un lenguaje de animación adulta y la Animación Mutante, si bien nunca alcanzaron la perfección obsesiva de Disney, Max lo compensó con inventiva y creatividad, y a saber lo que habría conseguido si Paramount no hubiera parado de meter cucharada en su productora... Max inventó cerca de 20 técnicas de animación, como la Rotoscopia, los Híbridos de Imagen Real, el Proceso Estereóptico, los Híbridos con Clay Animation, el Karaoke, la Animación Sonora... y pudo haber inventado la animación en color y los largometrajes en Cel Animation. Por ello los historiadores del cine se refieren a él como El Decano de los Dibujos Animados.

Si Max Fleischer levantara la cabeza y viera la "creatividad" de los animadores de hoy en día...


VER PELÍCULA: MR BUG GOES TO TOWN

ESPECIAL OSCARS 1944

Había empezado una nueva etapa en la edad de Oro, Disney se encontraba inmersa en sus contratos con el gobierno para producir propaganda pro-aliada, en éste año estrenaron la película Los Tres Caballeros. Por otro lado Popeye era la actual estrella de Famous Studios, y los personajes de El Pájaro Loco, de Walter Lanz, y Bugg's Bunny de Warner, ganaban mucha popularidad, pero sin duda, las estrellas de la animación de principio de los años 40 eran Tom & Jerry.

Bienvenidos a 1944!

Los nominados fueron los siguientes:
  • And to Think I Saw It on Mulberry Street - Paramount - George Pal
  • My Boy, JohnnyTerrytoons, 20th Century Fox - Paul Terry
No he encontrado nada sobre éstos cortos.


Andy Panda, otro de los personajes regulares de Walter Lantz, que consiste en un protagonistas tranquilo que se ve rodeado de personajes histéricos. Sin embargo, a pesar de las intenciones, no son unos niveles de histéria de la calidad que estaba ofreciendo Tex Avery o Chuck Jones en aquella época.


Una Merry Melody de propaganda aliada, protagonizada por Porky. En este caso se alejan de las Comedias Slapsticks Histéricas que comenzaban a popularizarlos para hacer una caricatura sobre el papel de las mujeres obreras, y los cantantes de moda de la época. Contiene estereotipos raciales afro-americanos y el corto en sí no es de lo mejor que sabían hacer... pero se agradece que hicieran algo distinto.
  • How to Play Football - Walt Disney Productions, RKO Radio - Walt Disney

Goofy era el personaje Disney que se adaptó mejor a la Animación Histérica y consiguió série propia, éste corto concetamente, sirvió de inspiración para el corto del 2007 How to Hook Up your Home Cinema, que produjeron para probar la tecnología de la animación digital 2D fotograma a fotograma.

Y finalmente el corto ganador, que volvió a no ser Disney!

Mouse Trouble - Metro-Goldwyn-Mayer - Fred Quimby



Tom y Jerry otra vez! Como respuesta al éxito de la Animación Histérica de Termite Terrace, Hannah-Barbera fueron aumentando el nivel de sadismo de la série, como podemos ver, el gato Tom va acumulando las secuelas de las travesuras (o más bien torturas brutales)  del ratón Jerry, y al final... Bueno, no, no voy a hacer Spoiler.

Una vez reconocido el éxito de Tom y Jerry, no veo el motivo de darles un Oscar cada año, aunque el corto es bueno, el que más me ha gustado es el de Goofy, pero en fin, también se agradece que Disney no ganase año tras año.

Marvel Super Heroes: What the --?! (X-Men vs. Vampires: Bite Me)

Enviado por Lluis:


.....a otro lado!!!!!?Nop,esto es bueno(al - a mi me hace gracia...)videando:



A kien pregunte xk Dracula y su hijo(?) kieren acabar kon los X-men....es xk actualmente a aparecido una 3 coleccion de los mutis...enfrentandolos contra los vampiros,eso es todo es lo k dire.No hace falta decir a k me huele eso......,en el pasado Chris Claremont los enfrento durante un x de num. kontra Dracula,xro ya,nada de alargarlo xra sacar + money!!!!Total ...gracioso komo lo planea Dracula(Scobi-doo puede hacer pupu y Jimmi Carter puede hacer k te parter!Homer Simpson dixit )y en canvio su hijo lo planea komo esa de Cre(polla)pusculo....also featuring:Blade(alguien lo dudava??!)

jueves, 28 de octubre de 2010

Etnografía 14: FRANCIA


VER ESPECIAL SOBRE FRANCIA
VER PELÍCULA: LES TRIPLETES DE BELLEVILLE

ESPECIAL OSCARS 1943


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El Gato Silvestre

GATO


El gato Sylvestre es un personaje de los Looney Tunes y las Merry Melodies que durante la Edad de Oro apareció en 96 cortos y ganó 3 Oscars. Se trata de un gato modélico dentro del triángulo Perro - Gato - Ratón: acaba recibiendo por todas partes, después de El Coyote es el personaje más "pringao" de los Looney Tunes, de hecho es el Looney Tune que muere más veces. Apareció por primera vez en 1945 en el corto de Fritz Freleng  Life With Feathers, y en el corto de 1947 Tweety Pie apareció su archi-enemigo Piolin





Fue doblado por el rey del doblaje de dibujos animados Mel Blanc, basándose en la voz del Pato Lucas. Aparte de Piolín, su otro enemigo es Speedy Gonzalez, con quien hace una pareja parecida a El Coyote y Correcaminos, los 4 aparecen en el corto The Wild Chase  con un final evidente.

Otras tramas usuales de Sylvestre es la de explorador junto a Porky, también hace de pareja con Elmer Fudd en dúos parecidos a Abbot y Costello, y también hace de instructor caza-ratones de su mini-yo intentanto cazar al canguro Hippety Hooper a quien confunden con un ratón gigante. Ha aparecido en varios especiales durante los años 70, y en la Space Opera Loonatics Unleashed su descendiente, Sylth Vester, es un cazarecompensas espacial fichado por la reina Granicus para acabar con las hordas de los Royal Tweetums.


Aparece en las películas Space Jam



y Looney Tunes: Back in Action, y ha hecho cameos en Quien engañó a Roger Rabbit y séries de animación como Robot Chicken, Padre de Familia y Freakazoid.

Squatter's Rights

  • Squatter's Rights - Walt Disney Productions, RKO Radio - Walt Disney



    Mickey Mouse. Ya habíamos comentado que ésta franquicia estaba en decadencia, al contrario de Goofy y Donald, Mickey Mouse no se había adaptado a la Animación Histérica, si quería revitalizarse, no tenía más remedio que emular al otro tipo de cortos de moda de aquella época: Tom & Jerry, para ello crearon las ardillas Chip y Chop que le harían la réplica al perro Pluto. Fue un gran acierto, y francamente, creo que nunca debieron humanizar más a estas ardillas y darles diálogos.

    miércoles, 27 de octubre de 2010

    Rhapsody Rabbit (Noviembre 1946)

  • Rhapsody Rabbit- Warner Bros. Cartoons- Eddie Selzer

  •  





  • Bugg's Bunny! En uno de sus cortos más famosos, ya en el estilo de animación histérica que le hizo inmortal. Los personajes de las Merry Melodies como Bugg's Bunny, Elmer Fudd, Porky, el Pato Lucas y el Gallo Claudio se estaban volviendo más populares que los pesonajes Disney y se negaron a que MGM les mirase por encima del hombro.

    The Cat Concerto (Abril 1947)

    The Cat Concerto - Metro-Goldwyn-Mayer - Fred Quimby



    Un corto de Tom & Jerry sobre... un momento? Es cosa mía o hay 2 cortos sobre un concierto de Lizt??? Es más, los cortos son idénticos!!!, Warner y MGM se acusaron mutuamente de plagio. El corto de Warner se estrenó en Noviembre de 1946 y el de Tom & Jerry en Abril de 1947, sin embargo aún hoy nadie sabe bien quién copió a quien, hay la teoría de que Technicolor vendió muestras de las escenas en producción a una y otra productora, otra teoría se basa en que uno de los animadores de Warner, entró a trabajar en MGM y les pasó la idea. Sea como sea sigue siendo un misterio, si bien prefiero el tipo de humor de Bugg's Bunny, la animación de Tom y Jerry es increible.

    martes, 26 de octubre de 2010

    Clementine

    Enviado por Alvaro:

    Una serie francesa que recuerdo haber visto en mi niñez es "Clementine", que tenía un estilo visual muy "anime":


    Intro Clementine - MyVideo België

    domingo, 24 de octubre de 2010

    Etnografía 14: FRANCIA


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    ESPECIAL OSCARS 1943


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    Etnografía 14: FRANCIA

    Anteriormente habíamos comenzado a hablar de la animación en Europa Occidental: España, Portugal, Bélgica, Italia e Islas Británicas, y tal como dijimos... nos dejamos en el tintero un país en concreto, el que sin duda es el rey de la animación en Europa Occidental.

    En breve os traeremos un Café au Lait y un Croissant, acomodaos bien en el bistrot, que hoy hablaremos de...


    FRANCIA

    Antes de los experimentos de Segundo de Chomón, Arthur Melbourne Cooper y J. Stuart Blackton, los franceses ya habían inventado un sistema de animación en 1892, el Praxinoscopio, de  Émile Reynaud.




    En 1892 el cinematógrafo aún no existía como espectáculo, el Praxinoscópio era un sistema de animación para un tipo de espectáculo hoy caído en el olvido llamado Teatro Óptico: Consistía en un zoetropo cargado con dibujos, que se proyectaban a través de una Linterna Mágica sobre un decorado pintado. Para recrear los movimientos de los personajes, se hacía girar el zoetropo. Un sistema rudimentario de animación, pero sin duda muy ingenioso.

    Pero si nos referimos a Animación Cinematográfica... Resulta que los franceses inventaron los Dibujos Animados dibujados página a página, concretamente fue en 1908 Émile Cohl, con el corto Fantasmagorie.

    A pesar de tratarse de un país pionero en la animación, durante la primera mitad del siglo XX Francia encendió timidamente su industria, uno de los pocos autores que se lanzaron a producir animaciones comerciales fue Paul Grimault, conocido también como el Tezuka Francés, cuyo éxito no fue igualado hasta mucho más tarde, cuando René Laloux en 1973 ganó el primer premio del Festival de Cannes otorgado a una película de animación francesa con La Planète Sauvage, con diseños de Roland Topor




    Que les pasaba a los franceses? Siempre habían tenido la tecnología, el arte y la creatividad como para competir con la animación europea, americana y asiática, por que no se desarrollaba mejor su industria? El mercado cinematográfico francés es de tamaño mediano, y el precio de la animación en estudios franceses encarecía demasiado el producto, con lo cual los inversores veían demasiado arriesgadas tales producciones, sobretodo cuando el prejuicio odioso de "Dibujitos Animados = Infantil" estaba a la orden del día entre los productores franceses y acababan limitando el mercado. Las soluciones a las que se vieron obligados a optar fueron la de fomentar co-producciones con otros países (sobretodo con Bélgica y Canada) para favorecer la distribución fuera de Francia,  y encargar la animación OEM a países de Europa del Este y Asia.

    Una vez replanteada (y deslocalizada) su industria, la industria de la animación francesa comenzó a tener éxito, sobretodo con adaptaciones de Bande Dessinée, como Aterix o Lucky Luke. Al fin y al cabo se trata de franceses, son capaces de encargar sus trabajos a estudios coreanos, pero nunca estarían dispuestos a producir algo sin "aroma francés". En 1979 el discípulo de Paul Grimault Jean-François Laguionie funda una productora llamada La Fabrique, dispuesto a continuar con los ideales nacionalistas de su maestro realizando animaciones totalmente en Francia, tras asociarse con un estudio Belga y otro Británico para facilitar la distribución por Europa. Otro de los grandes autores que pasaron por la Fabrique fue Michel Ocelot. Tras participar en la re-edición de Le Roi et l'Oiseau, realizaron la fábula humanista Le Château des singes



    Le Château des singes - Bande annonce FR
    Cargado por _Caprice_. - Mira más videos de TV y películas.

    Otro estudio importante que surgió fue en 1984 Folimage,fundado por el animador Jacques-Rémy Girerd, con producciones como el cortometraje L'Enfant au grelot


    L'enfant au grelot
    Cargado por imineo. - Mira películas y shows de TV enteros.

    Y el largometraje  La Prophétie des grenouilles.



    La Prophétie des grenouilles - Bande annonce FR
    Cargado por _Caprice_. - Todas las temporadas y episodios enteros online.

    En las últimas 2 décadas, la animación tradigital francesa ha ganado mucho prestigio gracias a películas como las de los estudios Armateurs, de Angoulême. Michel Ocelot actualmente trabaja en este estudio, con producciones como Kirikú y la Bruja.




    Y también han producido las obras de Sylvain Chomet: La Vieille Dame et les Pigeons, y Les Trippletes de Belleville.

    Se trata de un país con una industria en pleno auge, de 7 largometrajes que produjeron en los años 90, pasaron a producir 40 en los años 2000, y eso sin mentar su campo más fructífero: las séries de TV. A través de su sistema de co-producciones, Francia ha conseguido dominar el mercado de la animación en europa occidental siendo el primer producctor de la Unión Europea, y el tercer productor de animación mundial tras Japón y USA. Y lo más importante de todo, siempre han estado dispuestos a experimentar con todo tipo de estilos y estéticas, con lo cual, actualmente, Francia es la industria de la animación con más potencial por explotar.


    VER PELÍCULA: LES TRIPLETES DE BELLEVILLE

    ESPECIAL OSCARS 1943

    Cuando hablamos de la Edad de Oro, podemos diferenciar 2 etapas:

    La primera etapa comezó en 1928, con el corto Steamboat Willy, y terminó en 1942. Aparecieron el resto de personajes Disney, Betty Boop y Popeye, se empezó a usar el Technicolor, los sistemas multi-plano y los efectos epeciales, se caracterizó por el Imperio Disney confirmado tras Blancanieves, la obsesión de alcanzarles de los Hermanos Fleischer, y finalizó con la quiebra de éstos estudios, la crisis de Disney tras el desastre de Fantasía y la aparición de Bugg's Bunny y Tom & Jerry.

    En 1943 comenzó una segunda etapa que duraría hasta 1957, al principio era una época muy marcada por la Segunda Guerra Mundial, Disney consiguió resurgir, MGM y Warner ya se habían ganado el mercado de los cortometrajes, pero tras el fracaso de los Hermanos Fleischer no se atrevieron a saltar al campo de los largos, así que Disney disfrutó del monopolio de éste formato durante todo el resto de la Edad de Oro. En ésta época tambien ganaron popularidad los estudios de calidad media como Walter Lantz, Terrytoons, Columbia ScreenGems, los cortos de Gerge Pál, y los nuevos Famous Studios y UPA.


    Bienvenidos a la Segunda Etapa! 1943

    Este año aún continuaron con la temática ultra-nacionalista, de hecho Disney aún tenía un contrato que cumplir con el gobierno, produjeron un total de 35 cortos y 3 largometrajes. En 1943 entrenaron 2 de ellos: Saludos Amigos, nominado a los Oscars por Mejor Banda Sonora, Mejor Canción y Mejor Sonido.



    Al contrario de los cortos, ésta película no trata de difundir un mensaje pro-belicista, sinó que fue encargado con la intención de mejorar las relaciones diplomáticas entre Estados Unidos y Latino-América, en una época en que muchos países latino-americanos mantenían buenas relaciones con los nazis. Al tratarse de una película con buenas (aunque ingénuas) intenciones, no se vió censurada como los cortos.

    La otra película fue Victory Through Air Force, nominada al Oscar al Mejor Sonido:



    Ésta película SI fue censurada, se trataba de una película pensada para concienciar a la gente sobre la importancia de los bombardeos aéreos estratégicos, muy impopulares tras la guerra civil española, que acabó usándose para adiestrar a las tropas de la aviación aliada (de hecho aún se usa!). Se trata de una maravilla del arte de la animación, tanto por su tremendo nivel visual como por su guión, con una calidad pedagógica que da miedo, literalmente!
     ya que según la leyenda negra (que me gustaría que me confirmaran) Wiston Churchill tras enterarse de que Disney estaba produciéndola, pidió una copia, y tras verla decidió bombardear objetivos civiles en Alemania en una campaña militar sangrienta que hoy en día se ha decidido olvidar, tras éste hecho Disney optó por archivar la película y no exhibirla nunca más.

    Bien, pero vayamos a los cortometrajes nominados.
    • Five Hundred Hats of Bartholomew Cubbins - Paramount - George Pal
    Por desgracia no he encontrado nada sobre éste corto.
    Tampoco he encontrado nada de éste otro corto, y es una lástima! Poco antes del cierre de su productora, Dave Fleischer entró a dirigir Columbia Screen Gems, si bien no consiguió igualar la calidad, la creatividad ni la popularidad de sus anteriores estudios,  sí que consiguió re-vitalizar la productora de Columbia con su estilo de dirección único. Sin embargo fue la última vez que recibió una nominación.
    • The Dizzy Acrobat - Walter Lantz Productions, Universal - Walter Lantz



    Al fin Walter Lantz consiguió lanzar en 1943 a un personaje popular: El Pájaro Loco / Woody Woodpecker!, éste es concretamente su octavo cortometraje.  Aunque nunca quisieron "pillarse las manos" produciéndolo en Animación de Alta Calidad o en largometrajes tras la caída de Fleischer, éste personaje alcanzó mucha popularidad.

    Y ahora los 3 estudios importantes:
    • Greetings, Bait - Leon Schlesinger Productions, Warner Bros. - Leon Schlesinger


    El corto más popular de Jerry Colonna, el Gusano Loco, un personaje de las Merry Melodies caído en el olvido. Sí, se trata de un estereotipo racial de los Italo-Americanos, pero... siempre pensé que a los Italo-Americanos nunca les ha preocupado demasiado eso, salvo cuando se trata de reflejarlos como gangsters y mafiosos. Supongo que habrán hecho uso de la política "O los censuramos a todos o a ningúno", aunque yo me digo... Acaso Peter Griffith no es un estereotipo racial negativo de los americanos anglo-sajones?
    • Reason and Emotion - Walt Disney Productions, RKO Radio - Walt Disney


    Sorpresa! Disney en un papel segundón! Fue con éste corto de propaganda pro-belicista en la que explica como Hitler manipula a las masas poniendo en práctica métodos de psicología social basados en el miedo y el hermanamiento. Me abstengo a comentar por qué me resulta irónico éste corto. El caso es que como corto de animación es ingenioso y está bien, pero no tiene ni punto de comparación con el corto Educación para la Muerte de los Chicos de Hitler que lanzaron ése mismo año, de haber sido así, puede que hubieran conseguido ganar.

    Y el ganador fue...


    Sí! Tom & Jerry! Era la tercera vez que quedaban nominados a un Oscar y la segunda que MGM ganó uno, pero fue la primera vez en que derrotaron a Disney! Recordemos que en 1940, cuando MGM ganó su primer Oscar, Disney no participó. Se trata de un corto memorable e ingenioso, aunque al verse demasiado impregnado del aroma bélico de la Segunda Guerra Mundial, hoy es otro de esos "cortos olvidados". Aún así se merecen un gran aplauso.

    1943 fue un año peculiar, en el que Disney ya no era el rey absoluto de los cortometrajes. De éste año en adelante la corona quedaría repartida entre Tom & Jerry, las Merry Melodies... y la inquietante aparición de la Animación Limitada. Fue un claro inicio de una nueva etapa en la Edad de Oro.

    jueves, 21 de octubre de 2010

    Victory Through Air Power

    La otra película pro-belicista de Disney fue Victory Through Air Power, nominada al Oscar al Mejor Sonido:



    Ésta película SI fue censurada, se trataba de una película pensada para concienciar a la gente sobre la importancia de los bombardeos aéreos estratégicos, muy impopulares tras la guerra civil española, que acabó usándose para adiestrar a las tropas de la aviación aliada (de hecho aún se usa!). Se trata de una maravilla del arte de la animación, tanto por su tremendo nivel visual como por su guión, con una calidad pedagógica que da miedo, literalmente!
     ya que según la leyenda negra (que me gustaría que me confirmaran) Wiston Churchill tras enterarse de que Disney estaba produciéndola, pidió una copia, y tras verla decidió bombardear objetivos civiles en Alemania en una campaña militar sangrienta que hoy en día se ha decidido olvidar, tras éste hecho Disney optó por archivar la película y no exhibirla nunca más.

    miércoles, 20 de octubre de 2010

    Resurrección Digital de Actores Muertos

    Enviado por Alvaro:

    La idea de usar "actores muertos" suena interesante, aunque de momento, la mayor parte de los resultados terminan siendo como este terrorífico comercial:

    A-ha - Buterfly, Buterfly (The Last Hurrah)

    Éste año Steve Barron ha anunciado su vuelta al mundo de los videoclips junto con la re-entrée de los A-ha: Butterfly Butterfly (The Last Hurrah)



    A-ha - Buterfly, Buterfly (The Last Hurrah) sube al número 31 del TOP 40.
    Sale Banda Bassotti - Potere al Popolo

    lunes, 18 de octubre de 2010

    TÉCNICAS XIV: Hasta Pixar y más allá del Infinito



    VER ESPECIAL SOBRE ANIMACIÓN CGI ESQUELETAL
    VER PELÍCULA WALL-E

    ESPECIAL OSCARS 1942



    VER ESPECIAL OSCARS 1942

    25 Aniversario Take on Me - A-HA

    Esta semana se cumple el 25 aniversario del videoclip Take on Me del grupo A-ha.


    Se trata de un grupo de Techno-Pop ochentero, vale, pero protagonizaron 3 videoclips míticos dentro de la história de los videoclips animados, dirigidos por Steve Barron:

    Take on me
    (1985)



    The Sun Always Shines On TV (1985)



    y Train of Though (1986)



    Se trata de unos videos realizados con rotoscopia tradicional, donde le han querido sacar partido al "efecto tembleque". Podéis ver más sobre rotoscopia AQUÍ

    En su época, estos videos fueron toda una sensación, y han dado pie a parodias como en Padre de Família:



    Steve Barron, el director de este video también dirigió la película live action de las Tortugas Ninja (1990)



    o "Las Aventuras de Pinocho" (1996).



    Después de algunos largometrajes de cine fantástico más, este director irlandés ha ganado multitud de premios por miniseries de Hallmark como Las 1001 Noches (2000)



    Y éste año ha anunciado su vuelta al mundo de los videoclips junto con la re-entrée de los A-ha: Butterfly Butterfly (The Last Hurrah)



    Si los A-ha son buenos o no, es cuestión de gustos musicales, en cuanto a Steve Barron, como director de cine es muy irregular... pero es todo un maestro de la rotoscopia.

    FELIZ CUMPLEAÑOS A-HA!
    Enviado por Alvaro:

    El póster de la nueva película "Mars Needs Moms!" la última película animada producida por Image Movers Digital:


    Si bien no es mucho lo que se puede ver en este trailer, ya me huele a que será algo parecido al Expreso Polar...(Aunque la dirección no es de Zemeckis, sino de Simon Wells (Director de Balto y el remake de la Máquina del Tiempo realizado en el 2002)

    sábado, 16 de octubre de 2010

    TÉCNICAS XIV: Hasta Pixar y más allá del Infinito

    En el anterior artículo de Técnicas habíamos hablado sobre los orígenes de la Animación CGI como efecto especial cinematográfico, y como Disney-Pixar acabó por cambiar el mundo de la animación a raíz de dos películas: La Bella y la Béstia, y Toy Story.

    Todos sabíamos que el aterrizaje de Buzz Lightgear era sólo el principio, no sólo Pixar continuó lanzando películas que aún acumulan un éxito, fama y glamour que actualmente supera al de la propia Disney, sinó que ha demostrado ser tan rentable que toda gran productora de Hollywood (Salvo MGM) ha acabado abriendo un estudio de animación CGI donde copian a Pixar con más o menos descaro:

    Dependiente de Fox
    Blue Sky Studios

    Dependiente de Paramount:
    Omation Studios

    Dependiente de Columbia:
    Sony Pictures Animation

    Dependiente de Warner:
    Animal Logic

    Dependiente de Dreamworks:
    Pacific Data Images


    Independientes:
    Vanguard Animation
    Big Idea Productions
    DNA Productions

    Y para postres, Disney abrió unos estudios de animación CGI propios.

    CUESTIÓN DE MEGAPIXELES

    Por primera vez en la história de la animación, la calidad de una película ya no se busca en la creatividad y capacidad de sus animadores, sinó en la cantidad de megapíxeles que pueda procesar su CPU: Para que una película CGI sea rentable, no pueden dedicar más de 3 horas en procesar cada fotograma (20 horas en el caso de fotogramas complicados), por lo tanto, cuanto más complejas y/o realistas sean las texturas que se quieren animar, más capacidad de procesar megapíxeles deberá tener la CPU. Para ver la evolución de la capacidad de proceso de las CPU de las productoras, sólo hay que comparar la complejidad de las imagenes entre películas como Shrek (2001)



    Y Shrek Forever After (2010)



    CUESTIÓN DE PUNTOS DE CONTROL 

    Otro aspecto para obtener resultados elaborados en Animación CGI son los Puntos de Control: En ésta técnica de animación CGI (la más popular), se modela digitalmente a un personaje sobre un esqueleto vectorial, a través de los Puntos de Control se le añaden los movimientos que realizará cada parte del personaje entre fotograma clave y fotograma clave, cuantos más puntos de control, más realista podrá ser el movimiento. Para hacernos una idea... el personaje de Buddy de Toy Story contaba con 700 puntos de control, el león Aslan de Chronicas de Narnia contaba con 1851 puntos (742 de ellos sólo en la cara)





    CAPTURA DE MOVIMIENTO

    Otro sistema de animar digitalmente en 3D es la técnica de la captura de movimiento, se trata de una técnica creada originariamente con finalidades militares, que luego encontró su hueco en el mundo de los videojuegos, los efectos especiales y finalmente en la animación, consiste en mapear, a través de un traje especial, los movimientos de un actor para programar los movimientos de un personaje esqueletal 3D. Se trata de un sistema comparable a la Rotoscopia, con la diferencia de que se capta el movimiento en 3D y en cambio no se capta el aspecto del actor. Se usó por primera vez en un videojuego en 1995, Highlander: The Last of the MacLeods, 

     


    Y en películas el primer personaje creado con éste sistema fue Jar Jar Binks, en Star Wars Episode 1, por Industrial Light & Magic, seguido por otros como Gollum del Señor de los Anillos, King Kong y los Navi' de Avatar todos de Weta Digital, o La Momia



    El primer largometraje de animación realizado casi completamente en Captura de Movimiento, salió en la India: Sinbad - Beyond the Veil of Mysts.



    Entre animadores digitales llegó a haber una Guerra Santa, entre los que consideran la captura de movimiento una técnica más, liderados por Image Movers, y los que la consideran una aberración, liderados por Pixar (curioso que ambas productoras pertenecen al grupo Disney). Tal Guerra Santa evidentemente la ganó Pixar, ya que el "Efecto Valle Inquietante" Llevó a Image Movers a la quiebra.

    EL VALLE INQUIETANTE

    Éste planteamiento de producción de "Echarle Megapixeles y Puntos de Control al Asunto", provocó una carrera por ver quien hacía por primera vez una película de animación que "pareciese imagen real, sin ser imagen real", éste dudoso honor lo ganó en el 2001 la compañía hawaiana Square Pictures, con la película  Final Fantasy: The Spirits Within



    La película fue un fracaso, en parte porque está basada en un videojuego al que no se le parece ni en el blanco de los ojos, en parte porque el guión es incomprensible, y en parte por...



    EL EFECTO VALLE INQUIETANTE!

    Se trata de la siguiente teoría japonesa de la robótica: Los humanos nos sentimos reconfortados al ver muñecos y dibujos que caricaturicen a otros humanos, o incluso con hipotéticas réplicas tan exactas que confundiríamos con humanos, pero actualmente, cuando se trata de réplicas hiper-realistas sin vida, como animales disecados, miembros protésicos, figuras de cera... o en éste caso, personajes realizados escaneando actores reales y animándolos con captura de movimiento, instintivamente se asimilan como muertos vivientes y se produce un rechazo mediante el siguiente esquema:

    Mostrado de otra forma, que niña artificial os parece más entrañable?


    El caso es que Square Pictures sólo se atrevió a usar éste tipo de animación en 2 ocasiones más: en el corto El Último Vuelo de Osiris y en Final Fantasy VII: Advent Children 

     


    El aclamado director que resucitó a la animación clásica americana con Quien engañó a Roger Rabbit, Robert Zemeckis, fue el encargado de dar a luz las películas de Image Movers, esperpentos tales como Polar Express, Monster House 



    Beowulf




    Y Cuento de Navidad



    El caso es que La Captura de Movimiento como técnica de animación ha sido todo un fracaso fuera de lo que sería crear personajes hiper-realistas entre penumbras dentro de una película de imagen real, como en Avatar o en Alicia de Tim Burton



    MACHINIMA

    La animación CGI 3D consiste en técnicas que se retro-alimentan entre el mundo del cine y de los videojuegos, evidentemente las películas de animación cuentan con muchos más megapixeles de definición y no están tan limitados por la capacidad de CPU, así que entre las compañías de videojuegos compiten por ver quien consigue una definición más parecida a la de las películas de animación CGI. Esta competencia ha llevado los videojuegos a un grado de desarrollo, en que hay animadores que se han atrevido a lanzar películas de animación 3D realizadas con motores gráficos de videojuegos, una nueva moda a la que han llamado Machinima. Un ejemplo sería Terminator Salvation the Machinima Series





    La Animación CGI es el actual gigante de las técnicas de la animación, en relativamente poco tiempo se ha vuelto tan evidentemente más práctica que la animación Tradicional, que se empezaron a librar guerras estilísticas por ver que estilo perduraría como el estilo de animación del siglo XXI, una guerra que Pixar ha ganado sin despeinarse, y actualmente la evolución se ha estancado:

    Por un lado Pixar, al fin sin competencia, quiere centrarse en superar sus propios guiones. Ahora que ha relevado a Disney, quiere superarla siendo la primera productora de animación en ganar el Oscar a la Mejor Película. Disney anda confusa tras su fracaso en la animación CGI y duda entre convertirse en una "Pixar de Segunda División" o volver a la fórmula de Animación Tradigital que le había reportado tanta fama en los años 90. En lo que respecta a Dreamworks, Fox y demás productoras... No se atreven a nada que no sea "Copiar a Pixar". Sinceramente, si no fuese por el panorama actual de la animación independiente, diría que estamos en una época muy triste de la história de la animación occidental. Quizá sí sea exagerado atribuirle las culpas a Pixar, pero es una realidad que esta absoluta falta de originalidad generalizada es consecuencia de Pixar.

    Si Max Fleischer levantara la cabeza...


    VER PELÍCULA WALL-E